Créatrice pluridisciplinaire installée dans la campagne du nord du Portugal, Graça Paz explore la peinture, l’art textile et le dessin avec une sensibilité intuitive. Son travail interroge le lien entre l’extraordinaire du quotidien et la psychologie des émotions – une ode à la beauté de l’imperfection et à la légèreté de ne pas prendre la vie trop au sérieux.
Il y a quelque chose de discrètement radical dans l’approche picturale de Graça Paz. Dans son atelier rural du Minho, loin de l’agitation de la scène artistique de Lisbonne, elle a construit une pratique à la fois profondément disciplinée et intuitive – une conversation quotidienne avec la couleur, la mémoire et le langage abstrait des émotions.
Née à Porto le 4 mars 1967, l’artiste porte un nom qui unit Grâce et Paix. Mais rien n’est passif dans son œuvre : ses abstractions géométriques vibrent d’intensité, chaque série se déploie comme un dialogue intérieur qu’elle se sent poussée à entretenir, au rythme du moment qu’elle traverse.
« Une série s’apparente à une conversation que j’ai avec moi-même », explique Graça. « L’idée se nourrit au fil des peintures et de l’écriture. Des questions et des réponses émergent, et cela continue jusqu’à ce que le sujet se sente accompli, comme un dialogue qui peut durer des heures avant de s’épuiser de lui-même. »
Sa série récente, I Am Going Where the Sun Keeps Shining (2025), emprunte son titre au film Midnight Cowboy, qui l’a énormément marquée à l’adolescence. Mais l’œuvre est née d’une expérience bien plus intime : accompagner sa mère atteinte de démence dans les derniers moments de sa vie. « Je l’ai accompagnée aussi étroitement que possible, toujours présente, toujours en train de la dessiner », confie-t-elle. Ce titre a donné un sens à ce moment : une quête de lumière au cœur d’une perte profonde.
« Lorsque je commence une peinture, les couleurs s’imposent d’elles-mêmes »
La couleur est l’outil principal de Graça, son langage le plus constant. « C’est à travers la couleur que je parviens à entretenir ces conversations de pensée abstraite et à créer une cohérence entre le corps, l’esprit et l’âme », déclare-t-elle. « Elle traduit les émotions et les sensations que je vis à chaque instant. » Le bleu outremer est sa teinte fondatrice, même si chaque année une nouvelle réclame une attention particulière. En 2025, l’ocre rouge est à l’honneur.
Quand nous lui demandons comment elle choisit ses couleurs, elle marque une pause. « C’est intuitif. Je ne pense même pas que ce soit moi qui les choisisse. Lorsque je commence une peinture, les couleurs s’imposent d’elles-mêmes, avec une certitude absolue dans leurs combinaisons ; je leur fais entièrement confiance. » Cela peut sembler presque mystique, mais elle ajoute aussitôt qu’il lui arrive aussi d’arrêter son choix consciemment, en convoquant ce qu’une teinte particulière transporte pour évoquer quelque chose de précis.
Elle travaille avec plusieurs marques de peinture, mais ses préférées sont Flashe de Lefranc Bourgeois, pour sa qualité totalement opaque qui ressemble presque à de la poudre ; et Liquitex, autant pour les peintures que pour les pinceaux. L’encre Amsterdam de Talens et les produits de Winsor & Newton comptent aussi parmi les indispensables de son atelier. Ses couleurs sont soigneusement cataloguées, un rituel qu’elle répète chaque année ou tous les deux ans. « C’est la seule façon de savoir ce que j’ai, de comprendre les teintes et d’utiliser l’ensemble de leurs particularités. »
« Mon côté rationnel s’emballe quand je peins »
Sa pratique en atelier est rigoureuse : horaires fixes, régularité quotidienne. Elle se consacre le plus souvent à une seule toile à la fois : « J’ai le sentiment que si j’entre et sors du processus, je perds quelque chose. Chaque œuvre représente un lieu dans le temps. Je ne peux pas vraiment être à plusieurs endroits en même temps », souligne l’artiste. Même si elle travaille parfois sur deux pièces simultanément, elle préfère la concentration absolue – cette immersion profonde que chaque création exige.
Pour Graça, peindre n’a rien de l’exercice de pleine conscience que beaucoup imaginent. « Pour un artiste à plein temps, il y a toute une gamme de moments : de la plus grande paix à l’agitation la plus vive », explique-t-elle. « Mon côté rationnel s’emballe quand je peins, et je laisse alors l’intuition prendre le relais. Ce n’est pas reposant ; c’est purifiant, une plongée en profondeur. Souvent, j’ai besoin d’être concentrée et dans un silence total. La musique devient un bruit. »
Quand elle en écoute, son choix se porte fréquemment sur Mozart, dont la musique crée une harmonie naturelle entre ce qu’elle fait, ressent et pense. En ce moment, elle enrichit une playlist YouTube et tient un petit carnet A6 où elle note toutes les œuvres classiques qu’elle découvre et aime, cherchant à identifier ses interprètes préférés. « Ces derniers temps, je reviens souvent à Hélène Grimaud. J’adore sa manière un peu martelée de jouer, et le projet de vie qu’elle mène avec les loups. »
Le chemin de Graça vers l’abstraction géométrique n’a pas été immédiat. « Cela a toujours été mon plus grand intérêt, mais ce n’est pas par là que j’ai commencé. J’y suis arrivée après un long voyage, et une fois que je m’y suis installée, je n’ai plus jamais voulu en partir. » L’artiste y voit la forme la plus fidèle pour exprimer sa pensée abstraite, son inconscient à la fois individuel et collectif.
Une reconnaissance internationale
Ses œuvres de commande suivent le même principe de liberté créative que ses pièces personnelles – un terrain sur lequel elle refuse tout compromis, y compris au risque qu’un client rejette le travail final. L’un d’eux, raconte-t-elle avec un plaisir évident, lui accorde une totale carte blanche. « Il est rigoureux, sait ce qu’il veut, mais comprend aussi ce que je désire, et il me fait entièrement confiance. Sa maison, d’une belle architecture, rend l’ensemble encore plus agréable. »
Le projet du groupe hôtelier Martinhal, dont certains établissements hébergent ses œuvres, a été un autre moment fort : « Je m’y suis sentie totalement à l’aise, et ils ont toujours respecté mon processus créatif. »
Les réseaux sociaux et les plateformes comme Saatchi Art, où elle est présente depuis 2012, ont ouvert les portes de l’atelier à la planète entière, d’une manière que les générations précédentes d’artistes n’avaient jamais connue. « Cela a démocratisé l’art », observe-t-elle, tout en soulignant que cette profusion ne fait pas de tout le monde un artiste. « Mais on distingue très bien ceux qui le sont. L’art est pour tout le monde », ajoute Graça.
Ses ventes atteignent aujourd’hui des collectionneurs du monde entier, même si une grande partie de son activité passe désormais par le bouche-à-oreille. « C’est très bien, et un peu discret. Ça me protège », avoue l’artiste native de Porto.
Un art inscrit dans le quotidien
Si elle pouvait organiser une exposition, elle rassemblerait Carmen Herrera, Luchita Hurtado, Hilma af Klint, Ruth Asawa, Georgia O’Keeffe, Tracey Emin et Vivian Suter : « Je réunirais toutes ces femmes, car je rends hommage à la puissance féminine en tant qu’artistes, mères, entrepreneuses, visionnaires, organisatrices, êtres compatissants. »
Partage-t-elle l’opinion de Jackson Pollock, pour qui tout bon peintre peint ce qu’il est ? « Totalement. Je ne peux pas imaginer l’art séparé de l’essence du quotidien ni de l’inconscient individuel et collectif qui nous habite en permanence. »
En ce moment, Graça travaille sur une nouvelle série, cherchant à transmettre ce sentiment de vitesse qu’elle a ressentie tout au long de l’année – un élan qui l’a menée vers des lieux, des accomplissements et des pertes qu’elle n’aurait jamais imaginés. Le début d’une série, dit-elle, se dessine d’abord dans l’âme et dans l’esprit, avant de se matérialiser. « C’est une action puissante. »
Dans les mains de Graça Paz, l’abstraction géométrique devient quelque chose d’intime et d’urgent – un langage visuel pour tout ce que les mots n’atteignent pas tout à fait.
Diana Castello Branco
